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Media Art
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MEDIA ART
Media Art
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Media Art es una convención utilizada para denominar en un sentido amplio el reto planteado por los posicionamientos de la experimentación artística a partir de los años sesenta frente al estallido del fenómeno de la mediación. Un proceso realizado en sintonía con los cambios substanciales que ha habido en la capacidad de entender el mundo (ciencia) y de cambiarlo (tecnología) y que está permitiendo el tránsito hacia un nuevo paradigma.
La mutación de la producción de sentido ante la eclosión mediática, la llegada de una cultura audiovisual -entre otras razones-, y la consiguiente generalización del uso de las tecnologías de la información y la comunicación para la creación artística han hecho posible las formalizaciones bajo las cuales se reconoce esta denominación en el campo del arte contemporáneo.
Concretamente, el videoarte de los setenta y el netart de los noventa, las hibridaciones como eldocumental de creación o la videodanza y el arte sonoro pueden considerarse buenos ejemplos de tipologías de la producción artística derivadas de esta situación. Todos ellos son una prueba fehaciente del esfuerzo llevado a cabo desde el mundo del arte para afrontar los desafíos a la subjetividad (en contraposición a una pretendida objetividad científica), a la anticipación y a la dialéctica, impuestos como razón social desde los ámbitos hegemónicos de la sociedad de la información y del conocimiento.
Toda producción artística relacionada con los media es susceptible de ser considerada como perteneciente al Media Art. El arte de los media es ante todo una tipología y metodología de trabajo artístico del siglo XX y del cambio de siglo.
Las primeras muestras de arte de los media aparecen en Europa durante el período de entreguerras. Podemos decir que su origen coincide con la aparición del cine experimental durante los años veinte del siglo pasado.
Una vez superada la segunda postguerra, se recupera su presencia, gracias a la interacción de ambientes surgidos del dadaismo y del surrealismo en ambos lados del Atlántico.
Durante los años sesenta, años de germinación investigadora y de la salida crítica ante la generalización del hecho televisivo, presenta una primera eclosión y una segunda durante los setenta, con la investigación de formas de expansión como uno de los avances más significativos.
El crecimiento sostenido de la producción y difusión del Media Art se ha mantenido hasta la actualidad. Una tarea de más de medio siglo, de los asequibles y eficaces dispositivos de producción y difusión, que aumentan las expectativas hasta límites insospechados.
Antoni Mercader, marzo 2009
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APROPIACIONISMO
APROPIACIONISMO
En la escena artística norteamericana de los primeros años ochenta se dieron diversas tendencias con un denominador común: superar los límites impuestos por la austeridad teórica de los últimos episodios de la modernidad(minimalismo, arte conceptual) y propiciar un retorno a la pintura y, más específicamente, a la imagen y a su potencial narrativo.
En el proceso de rematerialización, respuesta a desmaterialización llevada a cabo por el arte conceptual, la pintura empezó a ser entendida como pantalla neutra en la que proyectar un mundo de imágenes, en ningún caso fruto de un proceso de representación sino de presentación. El crítico Douglas Crimp responsable de Pictures planteó tempranamente este proceso, en la que invitó a participar a artistas que en ningún caso trabajaban con imágenes originales de la realidad o fruto de la imaginación, sino con imágenes apropiadas directamente de otras imágenes que reflejaban el mundo circundante con el que consecuentemente, mantenían un intenso diálogo de significaciones. Esto era lo que hacían, por ejemplo, Troy Brauntuch, Jack Goldstein, Sherrie Levine, Robert Longo y Philip Smith, que eliminaban el significado primigenio de fotografías publicitarias, de tomas televisivas o cinematográficas e incluso de imágenes procedentes de la propia historia del arte para otorgarles uno absolutamente nuevo.
En el texto del catálogo de Pictures, D. Crimp significaba la elección del término Picture (imagen) tanto por la capacidad comunicativa de las imágenes —en todos los casos reconocibles— como paradójicamente, por su capacidad de sugerir ambigüedades:
“En su acepción coloquial, la palabra imagen (picture) carece de connotación específica; un libro de imágenes puede contener dibujos o fotografías y, en el lenguaje corriente, un óleo, un dibujo o una lámina son a menudo denominados imágenes. Asmismo, imaginar (picture) como verbo, puede referirse tanto a un proceso mental como a la creación de un objeto artístico”
Douglas Crimp
Como para Douglas Crimp, para Thomas Lawson, que consideraban la propuesta American Painting: The Eightiesde Bárbara Rose como una “procesión a modo de funeral de cansinos clichés, un proyecto que, como todo proyecto moderno, se convertía en declarativo, en el sentido de que se movía en la era del manifiesto, de la declaración programática del artista”, ésta última decadente secuela del espítiru formalista absolutamente desacreditado tan sólo podía ser superada por la fotografía, un arte que había restaurado la idea de distancia estética como valor y como medio para generar un proceso de apropiación:
“Nosotros conocemos la vida real tal como aparece representada en filmes y videos. Todos estamos implicados en un espectáculo de satisfacción que en último término acaba siendo alienante. En todas estas manifestaciones, la cámara es nuestro dios”
Thomas Lawson
En la pintura apropiacionista se dio, pues, un proceso por el que imágenes muy familiares y emblemáticas, alegóricas, en definitiva, se hacían opacas y distantes respecto a sus orígenes hasta el punto que su significado pasaba a ser precisamente esa distancia.
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