1970-1980
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ARTE CONCEPTUAL
Arte conceptual
[Fuente: Marina Robledo]
El proceso de desmaterialización del arte culmina en el llamado Arte del Concepto o Arte como Idea. Dentro de dicha modalidad lo esencial es la idea que da lugar a la obra de arte;el hecho de que ésta no llegue a realizarse no tiene ninguna importancia. Fueron muchos los artistas que, desde de los años sesenta hasta aproximadamente mediados de la década siguiente, se decantaron por alguna de las diversas posibilidades que ofrecía el Arte Conceptual.
Lo cierto es que el Arte Conceptual puro no tiene demasiados seguidores. En esta línea destaca fundamentalmente la vertiente lingüística, de la que Joseph Kosuth es el máximo representante, que, en 1966, ya habló del ”Art as Idea as Idea” (arte como idea como idea). Tal aseveración implica subrayar la ausencia de la materialidad física del objeto. Kosuth recurre al lenguaje como medio para comprender el arte. Partiendo del conocimiento de la filosofía de Wittgenstein, aplica sus conocimientos teóricos a la creación de conexiones entre el lenguaje y la percepción visual. Dentro de este tipo de experiencias, destaca una de sus primeras realizaciones, que lleva por título Una, y tres sillas, de 1965. En ella ofrecía tres aspectos distintos de la silla: la silla real, la fotografía de una silla y la definición escrita a máquina de silla, extraída de un diccionario.
Es realmente muy difícil establecer unos límites que precisen cuáles las creaciones propiamente conceptuales y cuáles no. Es cierto que, al hablar de un determinado tipo de manifestación, se pueden observar elementos comunes en algunas actuaciones. Sin embargo, también es cierto que, dentro del Conceptualismo, cada artista procuró crear algo distinto de lo que hacían los otros. Como característica esencial del llamado Arte Idea destaca la exigencia de un replanteamiento de todo el sistema expresivo del arte. Así pues, los medios utilizados por el artista serían muy diversos y no tendrían nada o casi nada en común con la tradición artística, ni siquiera con la del siglo XX. El artista utiliza fotografías, películas, vídeos, cintas grabadas, conversaciones telefónicas, documentos escritos a máquina, envíos por correo, telegramas, estadísticas sobre determinadas acciones, presentación de ciertos actos en público, etc.
En la línea del Conceptual lingüístico podemos citar, además del artista ya mencionado, Joseph Kosuth, al grupo inglés Art & Language, a Victor Burgirt, On Kawara, Robert Barry, Lawrence Weiner, Hanne Darboben y otros muchos cuyo trabajo ha seguido evolucionando a lo largo de las décadas siguientes, manteniéndose fiel a los principios tautológicos y de análisis del lenguaje que propusieron desde sus inicios.
En su interés por la desmaterialización de la obra de arte, el movimiento conceptual buscó nuevos recursos expresivos a través de la incorporación de nuevas tecnologías o de soluciones tomadas de otras disciplinas humanísticas. En numerosos casos se analizaron los problemas de percepción de la obra de arte y se planteó la participación del espectador como algo incuestionable ante el resultado final. Asimismo, el proceso reflexivo previo a la realización de la obra alcanzó un valor incalculable, casi mayor que el de la propia obra finalizada, y las conexiones entre arte y sociedad fueron valoradas desde ópticas diferentes, llegando en ocasiones a plantear un fuerte compromiso con lo político. En este último caso cabe citar los trabajos del artista alemán afincado en Estados Unidos Han Haacke. También el influjo creciente de los medios de comunicación fue motivo de reflexión para algunos artistas conceptuales que los utilizaron para realizar sus propuestas.
En España, durante la primera mitad de la década de los setenta se dio un momento rico en propuestas, especialmente en el ámbito catalán, con el surgimiento de numerosos artistas y actividades que propiciaron un cambio sustancial en el desarrollo del arte en España. A pesar de que muchas de las propuestas presentaban una fuerte influencia del Arte Conceptual europeo y norteamericano, lo cierto es que, a causa de la conflictiva situación sociopolítica que atravesaba el país en aquellos momentos, se dio un tipo de planteamientos de fuerte carga política y una revisión del papel del arte en la sociedad muy significativos. En esta línea cabe citar las aportaciones de Ferran García Sevilla y del Grup de Treball, en el que participaron artistas como Francesc Abad, Antoni Muntadas, Jordi Benito, Francesc Torres, y otros. Asimismo, es importante citar otra vía que intentó romper con la concepción tradicional del objeto artístico, promoviendo una reflexión objetual al amparo de trabajos como los de Joan Brossa; en esta línea trabajaron Jordi Pablo, Antoni Llena, Silvia Gubern, Angel Jové, Carlos Pazos, Benet Rossell, etc.
También en Madrid, y alrededor del crítico de arte Simón Marchán, surgieron algunas propuestas impulsadas por Nacho Criado y Alberto Corazón, quienes, posteriormente, entrarían en contacto con el grupo ZAJ (Juan Hidalgo, Esther Ferre ry y Walter Marchetti), participante en las manifestaciones de Fluxus, y que ya había desarrollado una importante trayectoria en Europa.
Fuente:”historia universal del arte”últimas tendencias. Lourdes Cirlot. Editorial Planeta.1994
HIPERREALISMO
Hiperrealismo
El hiperrealismo es una tendencia aparecida en los Estados Unidos entre 1965 y 1970, lugar donde es denominado "photorrealism" o "superrealismo".
El término fotorrealismo empieza a utilizarlo el crítico norteamericano Louis Meisel a partir de la obra de Close y Estes. Según Meisel este tipo de artista se caracteriza por emplear la cámara y la fotografía para obtener información y suele utilizar medios mecánicos o semimecánicos para traspasar esa información al lienzo. La mayor parte de las veces proyectan diapositivas sobre la tela a pintar. En general son pinturas completamente lisas, donde no se aprecia la huella manual del artista y parecen fotografías de gran tamaño. Otros rasgos característicos son la extrema precisión en la representación, la utilización de colores muy saturados y brillantes y superficies reflectantes. El impacto que producen estas pinturas se da de igual manera en las esculturas de artistas como Hanson y John de Andrea.
ARTE URBANO
[Fuente: http://www.masdearte.com/]
Se considera que el arte urbano dio sus primeros pasos como tal en el París de la segunda mitad de la década de los sesenta, cuando comenzaron a verse en los muros de la Ciudad de la Luz inscripciones con mensajes políticos realizadas con plantillas (stencil); pero hubo que esperar a mediados de los noventa para que comenzará a estudiarse el fenómeno del arte urbano de forma global, percibiendo las manifestaciones de este tipo surgidas en diversas ciudades del mundo como parte de un mismo fenómeno.
Se considera que el arte urbano dio sus primeros pasos como tal en el París de la segunda mitad de la década de los sesenta, cuando comenzaron a verse en los muros de la Ciudad de la Luz inscripciones con mensajes políticos realizadas con plantillas(stencil); pero hubo que esperar a mediados de los noventa para que comenzará a estudiarse el fenómeno del arte urbano de forma global, percibiendo las manifestaciones de este tipo surgidas en diversas ciudades del mundo como parte de un mismo fenómeno. Tuvo mucho que ver en ello el norteamericano Shephard Faireyy su campaña Obey. Su mensaje original era casi inexistente y no parecía haber en ella más propósito que el de llamar la atención sobre su autor, pero ha sido parafraseada y homenajeada en muchos ocasiones por su valor pionero entre los artífices de la cultura urbana.
En realidad un cierto grado de narcisismo tiene mucho que ver con los primeros pasos del arte urbano. Por aquellos años, en 1960, Cornbread, de Filadelfia, junto con su compañero "Kool Earl" ayudaron a popularizar el graffiti en Norteamérica mientras buscaban fama. Cornbread comenzó a grafitear, para llamar la atención de la chica que le gustaba, con unas firmas (tags). Pronto esta actividad se convertiría en su profesión a tiempo completo, tanto que llegó a ser recogida por la prensa negra, creándose una retroalimentación entre ambos: cada cierto tiempo, los periodistas sugerían algún proyecto que Cornbread ponía en marcha, como cuando estampó su firma en el avión en el que los Jackson Five aterrizaron en Philadelphia. Tiempo más tarde, esa subcultura urbana se reprodujo en Nueva York en estrecha relación con la música hip-hop.
En 1967, los edificios de la Gran Manzana ya eran un mar de graffitis que comenzaban a reflejar el cambio social de una nación y su demanda de paz e igualdad racial. En aquella etapa se comentaba el gasto que suponía para las autoridades la limpieza del metro (300.000 euros). El status del graffitero aumentaba en función de la peligrosidad del lugar donde dejaba su huella.
Otro de los pioneros fue un joven de Washington Heighs llamado Demetrius, que comenzó a escribir "TAKI" y el número de su casa, "183" en toda pared, marquesina de autobuses o monumento público que encontrara. Es evidente que estos artistas, como los que estampaban su nombre o pseudónimo en tags o piezas (masterpieces) buscaban notoriedad. A diferencia de ellos, quienes se servían de plantillas y pegatinas trataban de entablar cierta comunicación con el transeúnte.
Una década más tarde, Basquiat, junto con Al Díaz, (SAMO), dejaban sus mensajes crípticos, tags y graffitis, en las calles de Nueva York, tal como lo hacían otros jóvenes de los barrios de Brooklyn y el Bronx, que cubrieron de pintadas tapias, vallas publicitarias, andenes, túneles y vagones del ferrocarril metropolitano. Algunas de aquellas obras eran anónimas y despolitizadas, otras, muy críticas con el establishment político-social.
En ese mismo contexto desarrollaba su producción Keith Haring, dedicado tanto al arte como al activismo social. Su trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de aquel Nueva York de la década de los ochenta. Su iconografía intercalaba elementos sexuales, platillos volantes, personas y perros, animales y figuras danzando o corriendo, bebés gateando, halos, pirámides...Su modo de abordar el poder y el miedo a la tecnología sugiere angustia y capta la inquietud moral de Haring, como Basquiat, tempranamente fallecido.
Europa recogió el testigo de aquel auge graffitero a través del mítico vídeo Style Wars, que reflejaba lo que ocurría en el panorama neoyorquino. También tenía al graffiti como protagonista, aunque secundario, la legendaria película Beat Street.
A GRANDES RASGOS
Si algo caracteriza al Street Art alrededor del mundo es su diversidad. Las intenciones de sus autores son variadísimas: no todos manejan el lenguaje de la subversión y la ironía (muchos sí), no todos tratan de incitar en el público reflexiones sociales ni políticas (en muchos casos, es su propósito), pero sí que buscan llamar nuestra atención, sorprendernos al ocupar un espacio público no concebido inicialmente para albergar obras de este tipo, al convertir la calle en un museo al aire libre, en definitiva, al liberar el arte de su supuesto "público objetivo".
El estarcido y la pintura en spray son las técnicas más populares entre las vinculadas a la creación urbana, aunque, por supuesto éstas son casi ilimitadas y alcanzan el pegado de tiritas con mensaje en los semáforos o el encaje de bolillos.
Hay que resaltar una cierta ambivalencia en el movimiento graffitero y entre los autores de arte urbano en general: la búsqueda de una identidad individual y a la vez colectiva. Cualquier artista urbano que se precie debe tener un estilo propio que le identifique y además, algo que nos de pie a reconocer su lugar de origen.
LOS IMPRESCINDIBLES
Entre los americanos, tenemos que hablar de Gerardo Yepiz, "Acamonchi", artista mexicano underground, introducido desde los ochenta en la contracultura de los magazines y del skate punk; a Bask, checo criado en EEUU célebre por el uso de drips (gotas de pintura que se derramen sobre la superficie, creando texturas espesas). Además lleva a cabo pinturas con plantillas en las que pinta personajes y collages.
Buff Monster comenzó a pintar con spray, pero pronto se pasó a los pósters y se ha hecho conocido por su monstruo Buff, habitual en las calles de Los Ángeles. Flower Guy se inició con aerosoles y plantillas en el suelo de las calles neoyorquinas. En 1993 creó su icono de la flor, que imprimió en papel usando serigrafía. Swoon (por fin una mujer) realiza carteles a base de recortables que ella misma recicla.
Entre los europeos, comenzaremos por el italiano 108, que se inició con el graffiti a comienzos de los noventa y ha ido simplificando su estilo paulatinamente. Son célebres sus manchas amarillas en forma de ameba.
Es absolutamente imprescindible mencionar a Banksy, el graffitero británico e internacional más conocido entre el gran público pese a su constante búsqueda de anonimato. A principios de los 80 comenzó a pintar con spray en Bristol, su supuesta ciudad natal, y después pasó a las plantillas. Ha logrado colocar fakes o falsas pinturas en museos como el Louvre o la Tate Gallery y en su obra muestra un humor tan ácido como brillante. Su película película Exit through the gift shop, proyectada en medio mundo, está siendo un éxito.
Tampoco podemos dejar de hablar de Nich Walker, quien trabaja sobre todo con lienzos, combina plantillas y dibujos, y logra efectos casi fotorrealistas. En 2002 fundó su marca de camisetas "Apish Angel" y también ha diseñado graffitis para los films "Eyes wide shut" y "Juez Dredd".
Pisa 73 es uno de los máximos exponentes del arte urbano alemán. Muy influido por Bansky, diseña, pinta camisetas y expone lienzos. Además, experimenta con pegatinas, pósters y plantillas.
Recientemente se habla mucho del que llaman "Banksy ruso", un joven de 28 años que responde al nombre de Pavel y que trabaja en Moscú bajo el pseudónimo deP183. Como el británico, quiere continuar en el anonimato, pero, intencionadamente o no, ya ha logrado que The Guardian, The Daily Mail, Le Figaro, The New York Times y, aquí en España, ABC y El Mundo, hayan publicado imágenes de sus obras. Lo cierto es que muchas de ellas ya han desaparecido, algunas porque son voluntariamente efímeras, otras, las consideradas subversivas, porque son borradas de inmediato. En general, son monumentales y muy realistas.
EN ESPAÑA
Ya entre los españoles, Dr Hofmann es uno de los primeros miembros de la cultura alternativa del graffiti madrileño. Ha trabajado con diferentes tipos de letra y con una imaginería muy personal. Forman dúo El Tono y Nuria (Mora). El Tono, de origen francés, lleva más de una década trabajando con pegatinas y pósters y ha intervenido en el paisaje urbano madrileño efectuando líneas de colores en casas antiguas. Nuria, que cada vez desarrolla más proyectos individuales, busca promover una reflexión sobre el uso del espacio público y privado analizando y experimentando con la intersección que se produce entre ambos lugares. Parte de esquemas geométricos definidos para desarrollar en torno a ellos posibilidades infinitas, aunque también se sirve de motivos florales. Sus trabajos critican la industrialización del lenguaje artístico.
Hace medio año Lunwerg publicaba Los nombres esenciales del arte urbano y del graffiti español, una obra de Mario Suárez que ofrece una mirada panorámica sobre el recorrido, más bien breve pero fecundo, del Street Art en nuestro país, desde la Movida (y sus rastros en Malasaña o Lavapiés) hasta las intervenciones legales de La Noche en Blanco. En el libro se estudia a artistas como el colectivo Boa Mistura, un grupo de graffiteros que comenzaron de jóvenes en su barrio madrileño de Alameda de Osuna y cuya obra es ahora más gráfica e icónica; a Suso33, que comenzó su trayectoria callejera en los 80 y ahora vende en galerías de arte y a creadores que sólo hacen obra conceptual en la calle, así hasta cerca de cien nombres. Podemos mencionar a Kapi, Fase o Musa (Barcelona); Zeta, Glub y Kool (Madrid); Loco13 yTom Rock (Alicante); Freeze Rockers (Sevilla); Nase y Ova (Palma); Crudel(Lleida) o Zippo (Zaragoza). Promesa a tener en cuenta: Rallito X, barcelonés que actualmente reside en Berlín.
En declaraciones de Suárez a Elninho naranja: El arte urbano español en los ochenta fue algo único, aislado. Los Flecheros crearon un imaginario especial, nunca repetido en otra parte del mundo. En los noventa empiezan a sufrir influencias neoyorquinas, y ahora mismo el arte urbano español es igual al arte urbano de cualquier otro país, la globalización también ha llegado a los graffiteros, aunque muchos no quieran reconocerlo. Internet y las compañías aéreas low cost han promocionado esto, pero es algo bueno, porque también es conocimiento de otros artistas y otras formas de trabajo.
Resulta complicado calcular el número de exposiciones que museos consolidados, y no siempre modernos, han dedicado al arte urbano internacionalmente (sin ir más lejos, aquí en España el MUSAC o La Casa Encendida han ofrecido proyectos interesantes en este sentido), pero quizá la muestra que marcará un antes y un después en la toma en prestigio del Street Art fue la que, bajo este mismo título, acogió la Tate Modern en 2008. En ella participaron Blu, JR, Nunca, Os Gemelos, Faile y el español Sixeart. La exhibición se completó con un Street art walking tour en el que tomaron parte creadores madrileños como 3TTMan, Spok, Nano 4814, Eltono y Nuria Mora, que pintaron las paredes exteriores de esa sede de la Tate. Mora, además, ha desarrollado una instalación para Loewe en Tokio y un proyecto para la Fundació Joan Miró de Barcelona y recientemente participó en la muestra "Grafika", en elInstituto Cervantes junto a Rorro Berjano, Javier Calleja, Álex Castañeda, EME, Eltono, Fernando Elvira, Freak La Notte, Sergio Mora, Daniel Muñoz (SAN), Nano 4814, El niño de las pinturas, Okuda San Miguel, Ima Picó, Silvia Prada, Carlos Orta, Pepa Prieto, Almudena Rodríguez, J. J. Rosado, Gonzalo Rueda, Rubén Sánchez, Savage Girl, Seleka, Marta Serna, Sixeart, SpY, Emilio Subirá, Suso33, Antón Unai y Zosen.
Cerramos con una cita de E100ink, recogida en el el libro de Mario Suárez: Cuando intervienes un espacio público, la sutileza es tu herramienta principal, humaniza o ensalza las partes olvidadas y los deterioros de las ciudades, utilizando el abandono como soporte y la espontaneidad como técnica.
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